Au cours d’une escapade à Bruxelles nous avons fait escale au nouveau musée Magritte ouvert depuis juin 2009. En fait j’avais envie de le visiter depuis mon coup de cœur pour « l’empire des lumières » à la fondation Guggenheim de Venise.

Le musée est installé dans un bâtiment rénové et agréable, deux bémols gâchent cependant un peu le plaisir : le fait que les billets ne soient pas vendus sur place ce qui déroute un peu et l’obscurité ambiante des salles, guère pratique pour déchiffrer les cartels des tableaux. Enfin, une fois les billets achetés, on emprunte un énorme ascenseur car le musée propose un parcours chronologique et thématique de l'œuvre de Magritte qui débute au dernier étage.

René Magritte (1898-1967) est un peintre belge qui s'intéresse au cubisme et au futurisme. En 1923 il découvre la peinture de De Chirico qui lui donne le sentiment « qu'il représentait une rupture complète avec les habitudes mentales d'artistes prisonniers du talent, de la virtuosité et de toutes les petites spécialités esthétiques : c'était une vision nouvelle ». A partir de sa première exposition personnelle, à Bruxelles en 1927, il adopte une technique et une thématique qui le suivront tout au long de sa carrière. Ce sont des images qui partent du réel mais dont l’échelle ou la perspective sont modifiées. Dans ses tableaux il y a des juxtapositions inattendues d'éléments ou d'objets sans lien logique apparent et les titres, toujours énigmatiques, donnent un sentiment de mystère. En 1926, il entre en contact avec André Breton et rejoint le groupe surréaliste dont il devient un membre important, à cette époque les surréalistes cherchent à créer « quelque chose de plus vrai que la réalité elle-même ». Un an plus tard il, peint «  L’homme du large » inspiré du personnage de Fantômas porté à l’écran, c’est la silhouette d’un homme en collant noir au bord de la mer avec une sorte de morceau de bois à la place de la tête.

Dans les années trente, de retour à Bruxelles Magritte travaille dans la publicité et se rapproche du Parti communiste comme en témoigne cette affiche pour « La centrale des ouvriers textiles de Belgique ». Après la Libération il se consacre aux recherches sur la répétition et les grandes images. Dans « la Bouteille peinte ou les deux hommes en conversation » on retrouve un morceau de bois qui rappelle l’homme du large. J’ai bien sûr contemplé la version de « l’empire des lumières », qui inclut un reflet d’eau à la différence de celle de la Guggenheim de Venise. Le « Domaine d'Arnheim » représente un lieu mystérieux nommé ainsi en référence à un conte d’Edgar Poe, le nid sur le mur renvoie à la montagne en forme d’aigle. A la fin de sa vie Magritte connaît la notoriété ce qui lui vaut des commandes importantes telles que « l’oiseau de ciel », constitué de ciel bleu et de nuages, pour la compagnie aérienne nationale de Belgique. A noter que cette œuvre a été vendue aux enchères en 2003 lors de la liquidation de cette compagnie aérienne.

Le musée Magritte se trouve 1 Place Royale à Bruxelles, vous pouvez aussi visiter son site internet.

- Si vous étiez sur le pont, vous avez dû voir le musée de Peggy ? - Peggy ? - Peggy Guggenheim. C’était une amie de mon père, une grande collectionneuse. Je l’ai bien connue vous savez. Son palais, le palazzo Venier dei Leoni, c’est comme ça qu’il s’appelle, à cause des lions, il paraît qu’il y en avait autrefois dans le jardin. Il faudra entrer et le visiter. Il faudra aussi prendre des photos du jardin, et puis la photo de la tombe de Peggy, elle est enterrée là bas avec tous ses chiens. Claudie Gallay Seule Venise

Comme le dit le personnage de ce roman, nous sommes entrés et nous avons visité la collection Peggy Guggenheim à Venise, ville où je viens de faire un séjour avec ma moitié.

Pour ceux qui me diront : « Pourquoi parler d’une collection d’art moderne à Venise alors qu’il y a tant d’autres choses à voir ? ». Je dirais que je n’avais pas envie d’écrire sur les circuits ultra connus tels que la place Saint Marc, le Palais des Doges ou le musée Correr. Non, je voulais vous faire partager la découverte d’un lieu original, et puis cette fondation est nichée dans un palais et un jardin qui nous ont charmés. Mais rassurez vous nous avons aussi pris le temps de visiter les « incontournables » de cette ville magique.

La collection Peggy Guggenheim est située au bord du Grand Canal dans le palazzo Venier (accessible par la ligne de vaporetto n° 1 – arrêt « Accademia », comme ça vous savez tout !). C’est une curieuse construction sur un seul niveau qui semble inachevée. J’ai lu dans les guides que la famille Venier qui fit construire ce palais au XVIIIe siècle se trouva en butte à un manque d’argent et à la rivalité de la puissante famille Corner qui ne voulait pas d’un vis-à-vis plus élevé que son palais situé sur l’autre rive du canal.

On accède à la fondation par une de ces petites rues dont Venise à le secret, l’entrée est discrète presque cachée. Avant la visite on peut se promener dans le jardin qui accueille des expositions de sculptures.

Peggy Guggenheim (1898 – 1979), fille de riches entrepreneurs et amateurs d’art américains ouvre sa première galerie à Londres en 1938. Conseillée par Samuel Beckett elle se consacre à l’art contemporain et achète « un tableau par jour » jusqu’à son retour à New York au début de la guerre. En 1949 elle s’installe au palazzo Venier à Venise avec sa collection qu’elle lègue en 1969 à la fondation de son oncle. Une plaque indique sa sépulture où elle repose à côté de ses 14 chiens !

A l’intérieur on reste confondu non par la quantité des œuvres mais par leur qualité, tous les grands noms de l’art moderne s’y côtoient. Je pourrais vous faire un catalogue et citer les Picasso, Mondrian, Chagall, Braque, Pollock, Brancusi et autres qui s’y trouvent.

Pour ma part j’ai « craqué » sur « L’empire des lumières » de René Magritte. Le tableau juxtapose deux contraires, en haut un ciel bleu et lumineux, en bas une maison au milieu d’arbres sombres. Elle est comme plongée dans une nuit qui est trouée par deux fenêtres allumées et un petit lampadaire qui éclaire deux volets. Autres coups de cœur, « La pluie » de Marc Chagall peint en 1911 après son arrivée à Paris et « Maistra » de Constantin Brancusi où les surfaces de bronze poli contrastent avec le socle en pierre brute.

Faute de vous rendre sur place vous pouvez surfer sur le site de la fondation où toutes les œuvres sont répertoriées par artiste.

Après la visite je vous recommande la cour qui donne sur le Grand Canal. On y admire le paysage. Il ne faut pas manquer l’attraction, le bronze de Marino Marini intitulé « l’Ange de la ville » qui représente un cavalier au pénis dressé. Selon la petite histoire, cette partie de la statue était démontée lorsque des ecclésiastiques venaient visiter la Fondation !

Et pour finir, un petit diaporama d’ambiance sur Venise et les extérieurs de la collection Peggy Guggenheim.

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Rien que le nom de cette exposition m’a donné envie d’y aller. Pensez donc : Tarzan, la jungle, son cri inimitable, toutes ces images de films et de bandes dessinées que j’ai en tête…. En tous cas j’en reviens ravi car l’exposition réussi le pari d’être à la fois savante et ludique.

On peut se poser cette question : Que vient faire ce héros en slip léopard au milieu d’un musée tout ce qu’il y a de plus sérieux ? Justement la devise du quai Branly est « Là où dialoguent les cultures » et le musée a voulu décrypter le regard que les blancs portent sur l’Afrique « théâtre de pulsions mystérieuses, de fantasmes terrifiants, et d’aventures frissonnantes ».

A l’origine du mythe il y a un écrivain américain, Edgar Rice Burroughs (1875 – 1950), qui invente ce personnage en 1912. Réfractaire à la civilisation moderne, il crée dans ses romans une Afrique qu’il n’a jamais visitée, c’est d’ailleurs une exposition consacrée à ce continent qui lui donne l’inspiration. Le succès est fulgurant, après le premier roman publié en 1912 il en écrit 22 jusqu’en 1947 et vend 30 millions d’ouvrages publiés en plusieurs langues.

Dans l’œuvre de Burroughs, Tarzan est John Clayton Lord Greystocke, un aristocrate anglais dont les parents sont tués en Afrique. Recueilli par une tribu de grands singes il devient le « roi de la jungle, Burroughs s’inspire de Mowgli du « Livre de la jungle » et de Romulus et Remus les jumeaux fondateurs de Rome élevés par une louve.

Très vite la bande dessinée et le cinéma s’emparent du personnage et en donnent l’image que nous connaissons tous : un athlète « body buildé » immortalisé par les dessins de Burne Hogart et surtout par les prestations de l’acteur Johny Weissmuller, ancien champion olympique de natation, qui incarna 12 fois Tarzan à l’écran. Mais les scénaristes d’Hollywood ont transformé Lord Greystocke en un demeuré incapable de faire une phrase et véhiculant les poncifs les plus éculés sur l’Afrique.

L’exposition nous offre toute une panoplie de planches originales de bandes dessinée, des ouvrages, des affiches et des extraits de films. Il y a aussi des animaux naturalisés ; panthère, gazelle, lion, crocodile et même un superbe gorille qui nous accueille à l’entrée. La plupart de ces animaux proviennent du musée de la chasse et de la nature. Elle nous permet de revenir au vrai personnage, occulté par le cinéma, Tarzan est un homme cultivé qui parle plusieurs langues, un défenseur de la nature avant l’heure qui lutte contre le pillage de l’Afrique et les trafiquants d’animaux.

J’ai appris que son fameux cri apparaît pour la première fois dans un film de 1932 « Tarzan, the Ape Man » une sorte de tyrolienne de la jungle crée par un technicien du son. En fait ce cri veut dire « je suis Tarzan !». Quand au personnage de Jane, il est inventé par le cinéma en 1934, mais son bikini avant l’heure lui vaut les foudres de la censure de l’époque qui cherche toujours à rallonger ses pagnes et agrandir ses soutien-gorge.

Dans les jardins du musée l’exposition se poursuit avec un parcours pour les enfants et des ambiances sonores "à la Tarzan"  dont vous pouvez profiter sur ce petit diaporama.

L’exposition Tarzan se déroule au musée du quai Branly jusqu’au 27 septembre 2009.

Après cet article je mets « Louvre-passion » en mode pause pour quelques temps et vous souhaite, chères lectrices et chers lecteurs, de bonnes vacances.

Le musée de Cluny, situé dans le cinquième arrondissement de Paris, a la particularité d’abriter les vestiges des thermes ou établissements de bains de la Lutèce Gallo-Romaine. C’est à l’occasion de la réouverture du « frigidarium » restauré des thermes de Cluny que le musée présente cette exposition sous titrée « Soins du corps et cosmétiques de l’Antiquité au Moyen Âge ».

Dans l’antiquité Grecque et Romaine, l’usage du bain est une pratique courante. A l’époque il ne s’agit pas simplement de se plonger dans une baignoire mais de fréquenter des établissements spécialisés offrant des salles chaudes pour transpirer et purifier la peau puis prendre des bains froids dans les piscines du frigidarium. L’usage des thermes fait alors référence à l’idéal de beauté personnifié par la déesse Aphrodite sortant du bain, les salles sont décorées de thèmes marins et de figures mythologiques. Il y a déjà une « industrie » des cosmétiques et des soins du corps pour les hommes et les femmes, elle s’accompagne de nécessaires de toilettes en argent ou en verre moulé et coloré. Le poète latin Ovide écrit alors « Apprenez jeunes beautés, les soins qui embellissent le visage et les moyens de défendre votre beauté ».

La seconde partie de l’exposition consacrée à l’époque médiévale permet de tordre le cou à l’image selon laquelle les gens ne se lavaient plus. Au contraire les bains romains furent maintenus, Charlemagne en fait construire autour d’une source chaude à côté de son palais d’Aix-la-Chapelle. Les bains chauds sont alors appelés « étuves », la règle veut qu’il y ait des jours réservés aux hommes, d’autres aux femmes, mais ont sait que fréquemment les gens se trompaient de jours volontairement ou non. A la maison le bain se prend dans une cuve en bois installée dans la chambre à coucher et près de la cheminée, la chaleur est maintenue grâce à un système de draperies isolant la baignoire. Idéalement le bain pur est accompagné de solitude, dans la pratique il se prend souvent en couple car faire venir de l’eau et la chauffer est une opération longue et compliquée.

La dimension érotique de ce bain était alors claire ce qui inquiétait les autorités religieuses, d’ailleurs l’église n’approuve pas les soins du corps, selon Saint Augustin « Il ne convient pas pourtant que les femmes (…) laissent voir leurs cheveux, l’apôtre veut qu’elles soient voilées. Pour ce qui est de l’emploi du fard pour se donner plus d’éclat ou de blancheur, c’est une misérable falsification ». Bien sûr ces exhortations restent lettre morte et les élégantes s’empressent de se farder ou de mettre en valeur leur chevelure. Au moyen âge la coiffure idéale est de couleur blonde, c’est d’ailleurs ainsi que l’on représente la vierge.

Enfin l’exposition nous livre les résultats des recherches effectuées conjointement par le centre de recherche des musées de France et les laboratoires de l’Oréal sur les onguents et les cosmétiques de l’antiquité et du moyen âge. A partir de manuscrits donnant des recettes et de traces de fards retrouvés dans des récipients il a été possible de recréer les « produits de beauté » dont on se rend compte que certains étaient toxiques.

Je termine sur cette petite anecdote, dans la fameuse salle du « frigidarium » restauré j’ai trouvé cette inscription au sol.

Eh bien je suis allé me promener sur le « sol antique irrégulier » et j’ai réussi à ne pas me casser la figure !