Un peu avant le début du XXe siècle la carrière du peintre Pierre Auguste Renoir (1841 – 1919) connaît un tournant. Il s’éloigne du mouvement impressionniste et veux faire « la peinture de son temps » en conciliant l’apport de l’impressionnisme avec l’amour de la tradition il se consacre ainsi aux portraits, aux nus à la peinture décorative et à la sculpture. Il connaît alors le succès puis l’aisance financière, en 1892 l’Etat lui achète « les jeunes filles au piano », à partir de 1905 le prix de ses œuvres grimpe et en 1913 Guillaume Apollinaire le salue comme « le plus grand peintre vivant ». L’exposition du Grand Palais rassemble une centaine d’œuvres de cette période et met en perspective leur influence sur Picasso, Bonnard ou Matisse.

On découvre tout d’abord les modèles que Renoir choisit de préférence dans son entourage proche, ses enfants dont le cinéaste Jean Renoir (1894 – 1979), les domestiques au service de la famille et en particulier Gabrielle Renard, nourrice de Jean, qui pose pour deux cents tableaux. Les modèles servent pour des scènes intimes et familiales, des jeunes filles au piano ou cousant, Gabrielle jouant avec le petit Jean.

« Le nu me paraît être la forme indispensable de l’art » disait Renoir et une grande partie de l’exposition décline ce thème. Ce sont souvent des nus peints en atelier mais représentés dans des décors de plein air comme  cette baigneuse aux cheveux longs qui sort de l’eau pour venir s’essuyer près d’un rocher. A la fin de sa vie ils s’élargissent jusqu’à occuper la toile entière comme ces baigneuses du musée d’Orsay. Petite anecdote, en regardant le tableau j’entendais les commentaires ironiques de nos contemporains sur leurs formes plantureuses (les « gras double » disait on, eh oui les canons de la beauté ont bien changé !).

En 1908 Renoir s’installe à Cagnes sur mer, près de Nice, pour y soigner ses crises de polyarthrite. Séduit par le paysage il peint des paysages méditerranéens et crée une sorte de terre antique idéalisée où il représente des scènes mythologiques telles que le jugement de Pâris.

Autre facette méconnue de l’artiste, ses talents de peintre décoratif. De riches particuliers lui confient la décoration de murs où achètent des panneaux comme ces danseuses de style espagnol. Plus étonnante est la section consacrée à Renoir sculpteur. Il visitait souvent les salles « des antiques » du Louvre comme on le disait à l’époque et était en relation avec les grands artistes de son époque tels que Maillol ou Rodin. Ce n’est qu’à la fin de sa vie qu’il se lance dans cet art, handicapé par sa polyarthrite il est assisté par le sculpteur catalan Richard Guino. Là encore ce sont les thèmes mythologiques qui prédominent, des Vénus ou le jugement de Pâris.

Une fois n’est pas coutume je termine par un « coup de gueule ».

Quand donc les concepteurs tiendront-ils compte de la foule qui vient aux expositions ? Exemple de défaut flagrant, le grand texte explicatif placé juste à l’entrée qui crée un effet « bouchon » garanti. Autre défaut récurrent les cartels microscopiques placés sous les tableaux, pour lire une explication il faut se plier en deux à cinq centimètres du tableau, ont-ils pensé que vingt personnes veulent lire la même chose ? Pourquoi ne pas faire comme au centre Pompidou où, pour l’exposition Kandinsky, un scénographe intelligent avait pensé à de grands textes au dessus des tableaux. Pour finir la salle où sont exposées les photos prises chez Renoir au format original de quelques centimètres carrés : très pratique quand plusieurs centaines de personnes se bousculent pour essayer de voir ces épreuves microscopiques.

« Renoir au XXe siècle » au Grand Palais jusqu’au 4 janvier 2010.

Cette exposition est l’occasion d’évoquer une période très particulière qui réunit trois grands maîtres de la peinture dans un même lieu. A la fin des années 1540, Titien est le considéré comme le plus grand artiste de Venise au moment ou le Tintoret commence son ascension et Véronèse arrive dans la ville.

Tiziano Vecellio dit Titien (1485 – 1576) le plus grand des peintres Vénitiens, connu pour ses compositions aux coloris éclatants et ses effets de halo. Il a travaillé pour tous les grands de son temps, le Pape, François 1^er, et Charles Quint et peint jusqu‘à sa mort à 90 ans. Il était tellement célèbre que, selon ses biographes, l’empereur Charles Quint en visite dans son atelier, alla même jusqu’à ramasser l’un de ces pinceaux.

Jacopo Robusti (1518 – 1594) fils d’un teinturier d’où son surnom de « le Tintoret » est né à Venise, élève de Michel-Ange, il préfère les compositions bibliques, sa peinture est faite de clair-obscur et de coloris contrastés.

Paolo Calliari (1528 – 1588) est né à Vérone ce qui lui vaut son surnom de « Véronèse ». Rival du Tintoret il est célèbre pour ses coloris lumineux dont le fameux « vert Véronèse ».

Au XVIe siècle Venise n’a pas, comme les autres états européens, un lieu de pouvoir unique et un art de cour. Les grandes familles, l’Eglise et les confréries sont autant de clients potentiels pour les artistes qui se font concurrence. Les institutions Vénitiennes organisent des concours pour la décoration des édifices publics et des esquisses préalables sont demandées aux artistes on retrouve dans l’exposition les documents des concours pour la bibliothèque San Marco en 1556 – 1558, la Scuola Grande di San Rocco en 1564 et le Palais des Doges en 1582 – 1588.

A l’époque il y a des discussions sur la supériorité de tel ou tel art. Les peintres Vénitiens démontrent leur supériorité en travaillant sur le reflet dans la représentation de l’eau, des armures ou des miroirs. Autre phénomène, la peinture estompe les frontières entre le sacré et le profane. Les commanditaires se mettent en scène à côté du Christ ou des apôtres. Les Vénitiens sont aussi les premiers à peindre des animaux pour eux-mêmes.

L’exposition composée de quatre-vingt-cinq tableaux est répartie par thèmes : Portraits de gens de pouvoir, Reflets, Entre Sacré et Profane, Nocturnes sacrés, Portraits d’artistes et de collectionneurs, Petits formats décoratifs, La femme désirée. Elle se déroule dans le hall Napoléon sous la Pyramide jusqu’au 4 janvier 2010. Vous pouvez aussi visualiser le mini-site qui lui est consacré.

Laurent de La Hyre (1606-1656) est un fils de peintre. Son père lui apprend la perspective, l’architecture et lui fait copier des dessins pour le former. Contrairement à la plupart des artistes de son temps il n’effectue pas de voyage en Italie. Il subit l’influence de Girard Desargues, fondateur de la géométrie projective, influence qui se retrouve dans l’attention qu’il porte à la perspective et à l’architecture.

La Hyre est connu pour ses thèmes mythologiques mais surtout pour ses œuvres religieuses inspirées par l’Ancien et le Nouveau Testament. Cet artiste est en effet profondément chrétien et très croyant.

L’exposition est divisée en deux parties :

Le cycle de la vie de saint Étienne

En 1646 le curé de la paroisse Saint Etienne du mont commande à Laurent de La Hyre des dessins préparatoires à des tapisseries destinées à décorer l’église les jours de fête. Dix sept de ces dessins sont parvenus jusqu’à nous après les saisies révolutionnaires dans les églises. L’artiste a réalisé une vie de Saint Etienne qui était un juif convertit au christianisme et fut consacré diacre dans l’église naissante. Accusé d’avoir proféré des paroles contre les lieux saints, il fut condamné à être lapidé en l’an 35 de notre ère. Il est considéré comme le premier martyr chrétien.

Les esquisses pour la décoration du réfectoire du couvent des Minimes

En 1648 les pères Minimes du couvent de la place Royale à Paris passent commande à Simon Vouet de dix-huit figures de « patriarches ». Le peintre meurt en 1649 et la commande revient à la Hyre qui réalise dix huit esquisses représentant des saints ayant pratiqué la solitude « à l’écart du commerce, de la vue et de la fréquentation des hommes ».

L’exposition se déroule jusqu’au 21 septembre 2009 au 2^e étage de l’Aile Sully, salles 20 à 22.

Cette semaine je m’inspire du calendrier pour vous parler de « La Pentecôte » peinte par Jean Restout. Si ce mot évoque peut être, pour la plupart, un pont du mois de mai je vous rappelle qu’il s’agit aussi d’une fête chrétienne.

Selon les Evangiles, les apôtres émus de la mort de Jésus et de sa résurrection étaient réunis quand ils entendirent un grand bruit et virent apparaître des langues de feu qui se posèrent sur chacun d'eux. Ces langues de feu, symbolisant l’Esprit Saint, leur permirent de parler toutes les langues et enseigner le message de Jésus. On considère d’ailleurs que cette date marque le début de l’Eglise. Cet évènement a eu lieu cinquante jours après Pâques, en grec Pentekostê, d’où son nom.

Cet immense tableau (long de 7,78 m et haut de 4,65 m) a été peint pour le réfectoire de l'abbaye de Saint-Denis. Il donne un effet de surnaturel par la lumière qui émane du ciel et la vue de la scène en contre-plongée, les personnages sont touchés par la grâce, d’autres semblent effrayés. Le haut de la toile où figurait la colombe du Saint Esprit a disparu.