Ce tableau s’intitule « Paysage avec Mercure découvrant Hersé de retour de la fête de Minerve » de Jean-François Millet dit Francisque Millet. Il s’inspire d’un récit de la mythologie Gréco-romaine qui nous raconte que trois sœurs, Hersé, Aglaure et Pandrose, prêtresses de Minerve, rentraient d’une fête en l’honneur de la déesse. Sur le chemin du retour elles croisèrent le dieu Mercure qui tomba amoureux de la plus jeune, Hersé. Le dieu promit de l’or à Aglaure si elle lui ouvrait la porte de la chambre de sa jeune sœur. Celle-ci prit l’or mais refusa d’aider le dieu, furieux celui-ci la changea en pierre et entra de force dans la chambre d’Hersé qu’il viola.

J’espère que vous avez remarqué comme certains personnages sont sympathiques, entre la sœur ainée corrompue qui promet d’ouvrir la chambre de sa cadette et le dieu qui se révèle être un vulgaire violeur.

Le sujet avait été traité par Véronèse et Poussin qui ont représenté le moment ou Mercure rentre dans la chambre et Aglaure qui tente de lui barrer le passage. Francisque Millet se place au début du récit au moment de la rencontre des prêtresses et du dieu. Les jeunes filles avancent dans un décor de ruines antiques, le feuillage des deux arbres fait ressortir Mercure qui plane dans les airs, comme un rapace prêt à fondre sur sa proie. Quand à la jeune Hersé, elle se détache vêtue de vert.

Jean-François Millet dit Francisque Millet (1642 – 1679) naquit en Flandres mais s’installa à Paris en 1649. Il présenta des tableaux à l’académie de peinture sans se faire recevoir académicien. En effet, il disposait déjà d’une solide clientèle auprès de la communauté flamande qui appréciait ses peintures de paysages. Il est toutefois moins connu que son homonyme, Jean-François Millet (1814 - 1875) auteur du fameux « Angélus » qui se trouve actuellement au musée d’Orsay.

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J'ai reçu un message du musée du Louvre me demandant d'annoncer la journée-débat « Musée-musées » autour du Louvre Abou Dabi : les enjeux du musée universel du XVIII° au XXI° siècle.
Cette manifestation aura lieu samedi 15 octobre 2011 de 10h30 à 18h30 à l’Auditorium du Louvre.

Pour  toutes les informations cliquez ici.

En 1564, la reine Catherine de Médicis décide de faire construire un palais hors de l’enceinte de Paris car elle ne veut plus habiter le palais des Tournelles où son mari, le roi Henri II, est mort accidentellement au cours d’un tournoi. Le terrain choisi se situe à l’emplacement des fabriques de tuiles installées depuis le XIIIe siècle (d’où le nom de « Tuileries »).

Le palais est quelque peu abandonné quand Louis XIV décide, en 1682, de transférer à Versailles le siège de la Cour. Les Tuileries redeviennent un lieu de pouvoir à partir de septembre 1789 quand Louis XVI est ramené de Versailles par les Parisiens. Siège des assemblées révolutionnaires, puis palais impérial et royal, le château connaît des heures tumultueuses, notamment la journée du 10 août 1792 lorsque le palais est pris d’assaut par les fédérés et les ouvriers des faubourgs malgré la défense de la garde Suisse. Citons aussi le retour de Napoléon de l’île d’Elbe en 1814 qui chasse Louis XVIII. En mai 1871 lors de la « semaine sanglante » les insurgés de la commune insurrectionnelle mettent le feu aux bâtiments officiels pour tenter de retarder l’avance des troupes versaillaises. Les Tuileries flambent et le Louvre failli subir le même sort, heureusement le courage de son directeur et des gardiens aidés par des soldats sauva le musée. Jusqu’en 1882 ne subsistent des Tuileries que des ruines noircies, le gouvernement républicain décide alors de raser complètement ce qui reste du palais et supprimer par la même occasion un symbole de la monarchie.

Des morceaux de cette prestigieuse construction furent alors dispersés en Europe, le vestige le plus important fut intégré au château de Ponta en Corse. A Paris, une arcade fut installée à l’école des Ponts et Chaussées, dans le 7^e arrondissement, de 1883 à 2009. C’est ce fragment de l’ancien palais des Tuileries qui, après restauration, a été installé dans la cour Marly de l’aile Richelieu.

Cette arcade de style ionique ornait la galerie du palais ouvrant sur le jardin. Une partie du décor est une allégorie de la reine Catherine de Médicis, les torches, les plumes coupées et les miroirs brisés évoquent la fidélité à son époux défunt Henri II. Les massues croisées et le fil à plomb se veulent une image de la force et de l’équité de son gouvernement.

Pourquoi un fragment de ce palais est il installé dans le musée ? Tout simplement parce que, depuis 2005, le jardin des Tuileries fait partie du domaine géré par le Louvre.

« Bénie soit à jamais la mémoire de celui qui en instituant cette exposition publique de tableaux, excita l’émulation entre les artistes, prépara à tous les ordres de la société, et surtout aux hommes de goût, un exercice utile et une récréation douce ; recula parmi nous la décadence de la peinture de plus de cent ans peut être, et rendit la nation plus instruite et plus difficile en ce genre ».

C’est par ces mots que Diderot commence son compte rendu du salon de 1763, selon lui l’émulation suscité par cette manifestation est le moyen le plus sûr d’éveiller les talents. Il ne prive d’ailleurs pas de distribuer des bons et des mauvais points. Par exemple à propos de Jean-Siméon Chardin « C’est celui-ci qui est un peintre, c’est celui-ci qui est un coloriste. (…) Ô Chardin, ce n’est pas du blanc, du rouge, du noir que tu broie sur ta palette ; c’est la substance même des objets, c’est l’air et la lumière que tu prends à la pointe de ton pinceau, et que tu attaches sur la toile ». En 1763 Chardin présente « La raie » que notre critique présente ainsi « Après que mon enfant aurait copié et recopié ce morceau, je l’occuperais sur la Raie dépouillée du même maître. L’objet est dégoûtant ; mais c’est la chair même du poisson. C’est la peau, c’est son sang (…) On m’a dit que Greuze, montant au Salon, et apercevant le morceau de Chardin que je viens de décrire, le regarda et passa en poussant un profond soupir. Cet éloge est plus court et vaut mieux que le mien ».

Diderot aime moins François Boucher « Ce maître a toujours le même feu, la même facilité, la même fécondité, la même magie et les mêmes défauts qui gâtent un talent rare.» A propos d’un tableau sans doute « Le pont » il écrit « Quelle couleurs ! Quelle variété ! Cet homme a tout, excepté la vérité. (…) On se demande, mais où a-t-on vu des bergers vêtus avec cette élégance et ce luxe ? (…) que fait là cette femme charmante, si bien vêtue, si propre, si voluptueuse ».

Au Salon de 1765 Jean-Baptiste Greuze expose. A son sujet Diderot écrit « Voici votre peintre et le mien, le premier qui se soit avisé parmi nous de donner des mœurs à l’art, et d’enchaîner des évènements d’après lesquels il serait facile de faire un roman ». Greuze présente deux esquisses, « le fils ingrat » et « le fils puni », les tableaux définitifs seront peints une dizaine d’année plus tard

En deux épisodes cette série raconte comment un fils quitte sa maison contre la volonté de son père et revient pour trouver ce dernier mourant. Diderot raconte ainsi le fils puni. « Il a fait campagne, il revient, et dans quel moment ? Au moment où son père vient d’expirer. Tout à bien changé dans la maison ; c’était la demeure de l’indigence, c’est celle de la douleur et de la misère. Le lit est mauvais et sans matelas. Le vieillard mort est étendu sur ce lit. (…) Et puis voici le même chien qui est incertain s’il reconnaîtra cet éclopé pour le fils de la maison, ou s’il le prendra pour un gueux ».

Dans la catégorie des curiosités j’ai découvert, parmi les peintres qui exposent au Salon, Francesco Giuseppe Casanova, le frère du célèbre libertin Giacomo Casanova qui à l’époque était un aventurier peu connu dont les mémoires, publiées après sa mort, assurèrent la célébrité. Le peintre Francesco Giuseppe Casanova est formé à Venise par Francesco Guardi arrive à Paris en 1751, est reçu à l’Académie de peinture en 1763. Il expose assez régulièrement au Salon à partir de cette année-là jusqu’en 1783. Diderot francise son nom et l’appelle Casanove, nul doute que son côté moralisateur n’aurait guère apprécié les frasques de Giacomo.

Si vous avez envie de lire l’ensemble des « Salons » de Diderot sachez que le livre est facilement disponible en collection de poche, vous y retrouverez d’ailleurs les « Regrets sur ma vielle robe de chambre » texte qui a fait le bonheur des manuels scolaires.

Quand on vous dit « Mayas » cela vous évoque sans doute l’image d’une civilisation ancienne qui élevait des pyramides en Amérique centrale. Comme vous mes connaissances étaient assez (très) floues, j’ai donc été les rafraîchir à l’exposition « Maya, de l'aube au crépuscule » au musée du Quai Branly. A travers 150 pièces nous pouvons ainsi revivre la naissance l’apogée et le crépuscule de cette civilisation de l’Amérique précolombienne.

Les Mayas occupaient un territoire qui correspond à une grande partie du Guatemala, de certaines régions du Belize, du Honduras et du Mexique. À l'époque dite « classique » entre 250 et 950 après J.-C, leur civilisation atteignit son plein épanouissement.

L’exposition est organisée selon un parcours chronologique. La période préclassique, commence vers 2000 avant notre ère, on peut voir les premières céramiques à forme humaine dont une figure féminine qui était sans doute liée à un rite de fertilité. Pendant la période classique, de 250 à 900 apr. J.-C., une civilisation plus ou moins uniforme se répand sur tout le territoire. Les Mayas utilisent des outils de pierre et de bois. Les seuls métaux connus, l'or et le cuivre, simplement martelés, servent à réaliser des objets de prestige. Ils ne connaissent ni la roue ni le tour de potier, et n'ont pas d'animaux de trait mais construisent cependant les pyramides et les grands centres cérémoniels comme Palenque, Tikal et Copan. Au moyen d'un système très ingénieux de terrasses, de réservoirs et de canaux, ils cultivent le maïs, aliment de base, mais également le coton, les haricots, la courge, le manioc, le piment, les arbres fruitiers et le cacao. L’élevage est peu pratiqué, les animaux domestiques sont le chien et le dindon. Les Mayas créent un système d'écriture hiéroglyphique pour consigner leur mythologie, leur histoire et leurs rites sous forme d'inscriptions sculptées et peintes sur des stèles ou sur des livres appelés « codex ». Cette écriture comprend 800 signes et 5000 textes sont répertoriés, malheureusement beaucoup de codex furent brûlés par les prêtres espagnols pendant la conquête. A ce jour cette écriture n’est qu’en partie déchiffrée. Une partie de l’exposition est consacrée aux deux calendriers Maya, un calendrier solaire et un calendrier rituel, ces calendriers, très fiables malgré les moyens techniques limités furent élaborés grâce à des observations diurnes et nocturnes répétées du Soleil, de la Lune, de Vénus et d'autres astres qui permirent de relever des positions et d'établir des moyennes. Petite parenthèse, la soi disant fin du monde – prévue en 2012 - qui serait révélée par le calendrier Maya, est une pure invention de certains mouvements sectaires.

La religion Maya était centrée sur le culte de divinités liées à la nature : Chac, le dieu de la pluie ; Itzamna, le ciel, dieu créateur ; sa femme, Ixchel, la Lune, liée à la fertilité et la fécondité. Une céramique exposée représente le dieu de l’eau, Tlaloc, qui était aussi adoré dans la civilisation de Teotihuacan.

Après la période classique, au cours des IX et Xe siècle de notre ère les principales cités se dépeuplent. Quelle est la cause de cet effondrement, nul ne le sait. Les archéologues n’ont pas trouvé de traces d’invasion ou de famines. Aujourd’hui les spécialistes pensent que plusieurs facteurs tels que la sécheresse, l’érosion et l’usure des sols, les conflits entre cités voire des révoltes ont contribué à cette chute.

Mais le peuple subsiste et lors de la conquête espagnole, la ville de Tayasal, icône de la résistance Maya, ne sera conquise qu’en 1697. En fin d’exposition des photos des descendants des Mayas nous montrent comment, aujourd’hui, ils concilient tradition et modernité

Maya, de l'aube au crépuscule au musée du Quai Branly jusqu’au 2 octobre 2011.

En cette fin du mois de juillet, Louvre-passion prend ses quartiers d’été et vous donne rendez-vous, début septembre, pour la reprise des articles.