Au mois de novembre je vous avais parlé de cet appel au mécénat privé pour acquérir “Les trois grâces” de Lucas Cranach, un "trésor national" que le Louvre souhaitait acheter mais pour lequel il lui manquait 1 M€. Comme la presse l’a rapporté l’opération a connu un franc succès, 7.000 personnes – dont votre serviteur – ont contribués à cette acquisition et la somme a été réunie un mois avant la date butoir.

Comme tous les donateurs j’ai reçu une lettre de remerciements du musée m’invitant à la présentation exceptionnelle du tableau dans la galerie Médicis, au 2^ème étage de l’aile Richelieu. Passé l’escalator on découvre les 7.000 noms, comme tout le monde j’ai vérifié et, oui le mien était bien là !

Dans la galerie Médicis ce qui frappe c’est le contraste entre la petite taille du Cranach (36 X 24 cm) et les grands Rubens qui l’entourent. Curieusement à sa droite se trouve « L'Instruction de la reine, dit aussi L'Éducation de la reine » où Rubens représente lui aussi les trois grâces, peut être un clin d’œil des conservateurs.

Je me suis donc approché de ce panneau gris pour contempler le tableau derrière sa vitre de protection en me disant que s’il était là c’était en partie grâce à moi (excusez ce petit moment de vanité….).

La notice qui accompagne ce tableau nous apprend que, bien que daté de 1531, il est en excellent état. Sur un fond noir ces trois jeunes filles nues sur un sol caillouteux portent des colliers, celle de gauche un voile transparent et celle du milieu un élégant chapeau. Leur nudité indique qu’elles sont exemptes de toute dissimulation. Il nous est aussi expliqué que pour Cranach les trois grâces symbolisaient des vertus : la charité, l’amour et la générosité, le tableau ayant ainsi une dimension moralisante, voire chrétienne. Cela dit je pense que si l’artiste mettait cette symbolique en avant il jouait aussi sur l’attrait érotique de ses représentations dénudées.

Cette présentation exceptionnelle dure jusqu’au 30 mai 2011, en juin les « Trois Grâces » rejoindront les sept autres tableaux de Cranach que possède déjà le Louvre dans ses collections permanentes

 Mon premier réflexe m’aurait plutôt conduit à « zapper » cette exposition (les robes ce n’est pas forcément ma passion !). J’y ai conduit ma moitié intéressée par le sujet et, finalement, j’en reviens charmé par la profusion des couleurs et la scénographie imaginée par Christian Lacroix.

L’exposition « L’Orient des femmes » présente 175 costumes et accessoires traditionnels des villageoises et Bédouines du nord de la Syrie à la péninsule du Sinaï dont la richesse et l’éclat ont provoqué l’admiration des voyageurs du siècle dernier. Alphonse de Lamartine écrit ainsi « Ces beautés admirables et variées sont aussi extrêmement communes ; je ne marche jamais une heure dans la campagne sans en en rencontrer plusieurs allant aux fontaines ou revenant avec leurs urnes étrusques sur l’épaule ».

Cet évènement est né de la collaboration entre Hana Chidiac, responsable au musée des collections Afrique du Nord et Proche-Orient et du couturier Christian Lacroix qui a participé au choix des costumes et imaginé la scénographie. De leur travail en commun est né ce parcours poétique ponctué de pièces somptueuses qui, pour la plupart, sont exposées pour la première fois en France : robes de fête, manteaux, voiles et coiffes qui composent le trousseau de la mariée. En hommage à l’art millénaire de la broderie, l’exposition dévoile le travail de ces femmes qui, pendant des siècles, ont cherché à créer des modes pour s’embellir et exister, livrant ainsi leur personnalité, leur sens esthétique et leurs émotions.

A l’entrée on découvre une pièce rare, une robe d’enfant du XIIIe siècle, retrouvée dans une grotte au Liban et prêtée par le Musée national de Beyrouth.

Le parcours est organisé par région et par couleur, du plus sombre au plus clair. Certaines robes sont exposées sur des mannequins, d’autres déployées sur des armatures en croix pour faire ressortir leurs formes géométriques. Pour ajouter à l’ambiance on marche sur des tapis moelleux.

Comme les photos étaient permises je vous donne un aperçu visuel de cette exposition.

Manteau robe et voile de femmes Syrienne des années 1930

Robe, manteau et parure de femme Jordanienne des années 1930

Robe de fête Palestinienne

Parures, coiffes et robes de mariage de Bédouines de la péninsule du Sinaï vers 1935

Une coiffe de la péninsule du Sinaï du début du XXe siècle.

Dans une petite pièce est affiché « Prière de toucher » on y trouve une série de petites robes brodées, réalisées spécialement pour l’exposition et destinées aux personnes aveugles mais tout le monde en profite. Sur des banquettes, également conçues par Christian Lacroix, les visiteurs peuvent consulter des fiches relatant l’histoire de la soie au Proche-Orient ou encore la saga de l’indigo.

D’ailleurs à propos de visiteurs j’ai plutôt remarqué une large majorité de visiteuses, étonnant non ? 

Le mérite de cette exposition est aussi de tordre le cou à une idée reçue selon laquelle le vêtement féminin traditionnel de ces régions était uniformément triste et noir. C’est en fait depuis une quarantaine d’années que l’image et la physionomie de la femme du Proche-Orient a changé. De nos jours, ce que l’on nomme « la tenue islamique » s’est ’imposée. De couleur sombre, elle recouvre le corps des femmes sans en rien laisser paraître et conduit à l’abandon progressif des costumes traditionnels orientaux très colorés. Mais au final on apprend qu’en Palestine des femmes remettent à l’honneur cet art traditionnel pour des raisons culturelles mais aussi économiques puisqu’il s’agit de pièces destinées à la vente.

L’exposition est à voir au musée du Quai Branly jusqu’au 15 mai 2011.

C’est un artiste anglais contemporain qui, cette fois, se confronte avec les œuvres du musée du Louvre. Tony Craag d’abord chimiste dans un laboratoire de recherche sur le caoutchouc  décide de s'adonner à la recherche en tant qu'artiste. Dans les années 80 il participe au mouvement de la "nouvelle sculpture anglaise" qui travaille notamment à partir de formes minimalistes et élémentaires. Ces artistes utilisent également des matériaux de récupération pour porter un regard critique sur la société industrielle.

Très en pointe techniquement il utilise la recherche pour donner à ses matériaux des aspects surprenants, le plâtre peut devenir une éponge, le carbone de la peau de lézard et le bronze un pâte souple. Pour Tony Cragg "fabriquer des sculptures est un moyen d'interroger l'existence".

Tout commence dès l’entrée de la pyramide avec cette énorme sculpture en bois rouge réalisée spécialement pour cette exposition et placée sur le belvédère. Dans son « Dictionnaire amoureux du Louvre » Pierre Rosenberg nous raconte que, lors de la construction de la pyramide, Peï souhaitait qu’y soit installé la Victoire de Samothrace, idée qui ne fut pas retenue. Aucune autre proposition ne fut convaincante et Pierre Rosenberg de suggérer – lors de la parution du livre en 2007 - « une commande à un artiste contemporain ». Ce qui après quatre années s’est réalisé.

  Dans l’aile Richelieu, cinq sculptures de formes et de natures variées, reflétant la diversité de sa pratique de sculpteur sont installées dans les cours Marly et Puget. Dans cette sélection photographique j’ai bien aimé « Elbow », ce bois donc la couleur s’accorde bien avec l’ensemble de la cour Marly. La pièce semble taillée par les vents et l’érosion.

Plus loin « Red figures » est une forme similaire de couleur rouge, le cartel signale « courtesy de l’artiste » c'est-à-dire avec son autorisation (s’il expose on suppose les pièces sont là avec son accord ?).

« Manipulations » m’a laissé perplexe, de loin on dirait une grosse araignée roulée en boule.

Enfin, dans la cour Puget la couleur de « Ferryman » s’accorde bien avec le groupe des captifs.

Toutes ces pièces sont visibles jusqu’au mois d’octobre 2011.

Cette exposition-dossier est consacrée à Paestum, l’antique Poséidonia, fondée par des colons grecs vers 650 avant JC en Campanie aux alentours de Naples. A la fin du Ve siècle elle fut conquise par les Lucaniens, un peuple italien, avant de devenir au IIIe siècle une possession romaine. L’intérêt archélologique de ce site réside dans les vestiges de trois grands temples de style dorique : le temple de Poséidon, dieu grec de la mer, qui est l'un des temples grecs antiques les mieux conservés, la basilique et le temple de Cérès, la déesse romaine de l'agriculture. De plus la cité fut durant le IVe siècle l’un des principaux centres de production de vases à figures rouges en Italie méridionale. L’exposition est située au 1er étage de l’aile Sully en salle 44 du département des antiquités grecques, étrusques et romaines.

Petite parenthèse, cette salle fait partie de la galerie Campana. Si vous voulez échapper à la foule du Grand Louvre et vous retrouver, l'espace d'un instant, dans un tranquille musée de province allez dans cette galerie d'étude consacrée aux céramiques grecques dont le parquet sent bon l'encaustique.

Dans ces neuf salles aux plafonds allégoriques se trouve une riche collection de céramiques grecques. Celle-ci fut constituée au XIXe siècle par le marquis Giampetro Campana qui fouilla la nécropole étrusque de Cervéteri. A la suite de manoeuvres financières frauduleuses, ce dernier fut contraint de vendre sa collection à Napoléon III en 1862.

Les 3.500 vases grecs furent installés dans des vitrines en bois de chêne spécialement conçues pour recevoir ces pièces. A cette galerie, inaugurée en août 1863, fut donné le nom du marquis Campana.

Et puis, pendant qu’on y est, permettez moi une petite anecdote personnelle. Quand j’étais étudiant (il y a longtemps, au siècle dernier...) j’ai suivi des cours d’archéologie Grecque. Je me souviens d’un cours consacré à Paestum et le professeur nous disant : “Allez à Paestum, il y a les temples ... et la plage !”. Je n’ai pas suivi ce conseil mais je retrouve, bien des années plus tard, Paestum au musée du Louvre.

Il faut attendre le milieu du XVIIIe siècle pour que Poséidonia-Paestum sorte de l’oubli, des voyageurs Français font les premiers relevés du site. La diffusion de ces documents place alors le site comme une étape obligée pour les voyageurs cultivés en Italie, en témoignent ces relevés de l’architecte Henri Labrouste.

Les premières fouilles de 1805 mettent à jour les fameux vases à figures rouges, mais jusqu’à la fin du XIXe siècle les fouilles sont plus des chasses au trésor que des travaux scientifiques. En gros on creuse des trous un peu n’importe où dans l’espoir de déterrer un beau vase où des bijoux.

A partir du XXe siècle débute la véritable recherche scientifique avec la fouille de la ville, des nécropoles et la découverte d’un sanctuaire consacré à Héra. Paestum ayant été un important centre de production des vases à figures rouges, les archéologues ont découverts plusieurs vases signés (à la manière des peintres athéniens) par deux artisans, Astéas et Python. Autour de ces deux artistes, il a été possiblede situer d’autres peintres et de retracer l’histoire complexe de la céramique de la cité.

Cette exposition est visible jusqu’au 30 mai 2011.