Un peu avant le début du XXe siècle la carrière du peintre Pierre Auguste Renoir (1841 – 1919) connaît un tournant. Il s’éloigne du mouvement impressionniste et veux faire « la peinture de son temps » en conciliant l’apport de l’impressionnisme avec l’amour de la tradition il se consacre ainsi aux portraits, aux nus à la peinture décorative et à la sculpture. Il connaît alors le succès puis l’aisance financière, en 1892 l’Etat lui achète « les jeunes filles au piano », à partir de 1905 le prix de ses œuvres grimpe et en 1913 Guillaume Apollinaire le salue comme « le plus grand peintre vivant ». L’exposition du Grand Palais rassemble une centaine d’œuvres de cette période et met en perspective leur influence sur Picasso, Bonnard ou Matisse.

On découvre tout d’abord les modèles que Renoir choisit de préférence dans son entourage proche, ses enfants dont le cinéaste Jean Renoir (1894 – 1979), les domestiques au service de la famille et en particulier Gabrielle Renard, nourrice de Jean, qui pose pour deux cents tableaux. Les modèles servent pour des scènes intimes et familiales, des jeunes filles au piano ou cousant, Gabrielle jouant avec le petit Jean.

« Le nu me paraît être la forme indispensable de l’art » disait Renoir et une grande partie de l’exposition décline ce thème. Ce sont souvent des nus peints en atelier mais représentés dans des décors de plein air comme  cette baigneuse aux cheveux longs qui sort de l’eau pour venir s’essuyer près d’un rocher. A la fin de sa vie ils s’élargissent jusqu’à occuper la toile entière comme ces baigneuses du musée d’Orsay. Petite anecdote, en regardant le tableau j’entendais les commentaires ironiques de nos contemporains sur leurs formes plantureuses (les « gras double » disait on, eh oui les canons de la beauté ont bien changé !).

En 1908 Renoir s’installe à Cagnes sur mer, près de Nice, pour y soigner ses crises de polyarthrite. Séduit par le paysage il peint des paysages méditerranéens et crée une sorte de terre antique idéalisée où il représente des scènes mythologiques telles que le jugement de Pâris.

Autre facette méconnue de l’artiste, ses talents de peintre décoratif. De riches particuliers lui confient la décoration de murs où achètent des panneaux comme ces danseuses de style espagnol. Plus étonnante est la section consacrée à Renoir sculpteur. Il visitait souvent les salles « des antiques » du Louvre comme on le disait à l’époque et était en relation avec les grands artistes de son époque tels que Maillol ou Rodin. Ce n’est qu’à la fin de sa vie qu’il se lance dans cet art, handicapé par sa polyarthrite il est assisté par le sculpteur catalan Richard Guino. Là encore ce sont les thèmes mythologiques qui prédominent, des Vénus ou le jugement de Pâris.

Une fois n’est pas coutume je termine par un « coup de gueule ».

Quand donc les concepteurs tiendront-ils compte de la foule qui vient aux expositions ? Exemple de défaut flagrant, le grand texte explicatif placé juste à l’entrée qui crée un effet « bouchon » garanti. Autre défaut récurrent les cartels microscopiques placés sous les tableaux, pour lire une explication il faut se plier en deux à cinq centimètres du tableau, ont-ils pensé que vingt personnes veulent lire la même chose ? Pourquoi ne pas faire comme au centre Pompidou où, pour l’exposition Kandinsky, un scénographe intelligent avait pensé à de grands textes au dessus des tableaux. Pour finir la salle où sont exposées les photos prises chez Renoir au format original de quelques centimètres carrés : très pratique quand plusieurs centaines de personnes se bousculent pour essayer de voir ces épreuves microscopiques.

« Renoir au XXe siècle » au Grand Palais jusqu’au 4 janvier 2010.

La semaine dernière je vous laissais en proie à un suspense insoutenable. Si vous avez survécu à cette attente je vous propose de découvrir la deuxième et dernière partie (on s’arrête là, rassurez vous) du « Louvre insolite ».

Je vous rappelle que pour profiter de la vidéo en haute définition il faut d’abord cliquer dans le menu du lecteur, puis cocher « qualité haute ».

Lundi j’ai été invité au « vernissage presse » de l’exposition « Teotihuacan Cité des dieux » au musée du quai Branly par l’entremise du site Orsérie. Comme généralement je visite les expositions comme un « vouzémoi » de base, j’ai profité de cette occasion un peu exceptionnelle. Arrivé à l’accueil où, en échange de mon invitation j’ai reçu un dossier de presse, j’ai ainsi eu le loisir de visiter l’exposition sans être bousculé par la foule qui vous marche sur les pieds. Il y avait tout de même des chaînes de télévision qui filmaient un peu partout.

Comme je suppose que Teotihuacan ne vous parle pas beaucoup (« Téoti… quoi ?» m’on dit plusieurs collègues !) je commence par un rappel historique.

Il s’agit d’une cité fondée au premier siècle avant notre ère et abandonnée vers 650 après JC. Située au nord de l’actuelle Mexico, à 2.300 mètres d’altitude et sur 810 hectares de superficie elle est dominée par les pyramides tronquées dédiées au soleil et à la lune et traversée par une avenue principale de deux kilomètres de long.

Historiquement c’est la première ville du continent américain. Elle était la capitale d’un empire reposant sur la guerre, la religion et les sacrifices humains. Les masques funéraires et les fresques révèlent que son univers religieux tourné vers l’obtention de la pluie.

Teotihuacan comptait près de 100.000 habitants à son apogée dont un tiers étaient des artisans, des prêtres des dirigeant et des guerriers. C’était déjà une métropole cosmopolite puisque des artisans étrangers s’y étaient installés. Les fouilles ont révélé un urbanisme avancé, les maisons étaient centrées autour d’un patio qui distribuait l’air et la lumière, l’eau de pluie était récupérée et il existait un réseau d’évacuation des eaux usées.

On ignore ce qui a causé la chute de la ville. Les traces d’un grand incendie et de vandalisme ont été retrouvées, à partir de là plusieurs hypothèse sont possibles : invasion, révolte, pénurie de ressources…

Lorsque, plusieurs siècles après, les Aztèques l’on découverte ils furent tellement impressionnés par sa splendeur qu’ils la surnommèrent « le lieu où naissent les dieux ». Encore de nos jours plusieurs centaines de milliers de personnes se réunissent chaque année à Teotihuacan pour fêter l’équinoxe de printemps.

Le musée du quai Branly présente cette mystérieuse civilisation avec une exposition de près de 450 pièces dont certaines n’ont même jamais été vues au Mexique.

Elle s’ouvre sur une sculpture architecturale de plus de deux mètres en forme de jaguar sacré, le fameux jaguar de Xalla qui semble sortir d’une muraille car il est composé de blocs. Une vidéo-projection et une maquette de 10 X 5 mètres nous donnent une représentation du site dans son ensemble.

J’ai appris que les sculptures représentaient des personnages idéalisés et stylisés dont le tronc et les extrémités étaient allongées et la tête plus grande par rapport au corps. Les femmes étaient représentées vêtues et les hommes nus, j’ai ainsi admiré cette « sculpture anthropomorphe mutilée » en jadéite. Autre objet remarquable cette « poule folle » en céramique incrustée de pigments et de pierre verte dont les yeux semble refléter quelque folie. Dans la section consacrée aux dieux aux rituels et traditions funéraires on côtoie les divinités telles Tlaloc le dieu de l’eau et de l’orage, Quetzalcóatl le « serpent à plumes » qui symbolise le ciel et la terre. J’ai remarqué Xipe-Tótec un dieu qui serait associé à la guerre et à l’orfèvrerie, la statue le représente tenant un vase et un bouclier.

la sculpture anthropomorphe mutilée	la « poule folle »	le dieu Xipe-Tótec

L’exposition se termine par le rayonnement exercé par Teotihuacan dans le temps et l’espace on apprend ainsi que, plusieurs siècles après sa chute, les Aztèques venaient « fouiller » la ville pour extraire des objets. Un peu comme les collectionneurs européens qui, au XVIIIe siècle, recherchaient à Pompéi des vases ou des bijoux.

Pour conclure je donnerais deux bons points à cette exposition :

Le fait qu’elle soit installée dans un vaste espace qui permettra au public de ne pas être trop entassé.

Les animations multimédia et les cartels pour les enfants.

Cette exposition est l’occasion d’évoquer une période très particulière qui réunit trois grands maîtres de la peinture dans un même lieu. A la fin des années 1540, Titien est le considéré comme le plus grand artiste de Venise au moment ou le Tintoret commence son ascension et Véronèse arrive dans la ville.

Tiziano Vecellio dit Titien (1485 – 1576) le plus grand des peintres Vénitiens, connu pour ses compositions aux coloris éclatants et ses effets de halo. Il a travaillé pour tous les grands de son temps, le Pape, François 1^er, et Charles Quint et peint jusqu‘à sa mort à 90 ans. Il était tellement célèbre que, selon ses biographes, l’empereur Charles Quint en visite dans son atelier, alla même jusqu’à ramasser l’un de ces pinceaux.

Jacopo Robusti (1518 – 1594) fils d’un teinturier d’où son surnom de « le Tintoret » est né à Venise, élève de Michel-Ange, il préfère les compositions bibliques, sa peinture est faite de clair-obscur et de coloris contrastés.

Paolo Calliari (1528 – 1588) est né à Vérone ce qui lui vaut son surnom de « Véronèse ». Rival du Tintoret il est célèbre pour ses coloris lumineux dont le fameux « vert Véronèse ».

Au XVIe siècle Venise n’a pas, comme les autres états européens, un lieu de pouvoir unique et un art de cour. Les grandes familles, l’Eglise et les confréries sont autant de clients potentiels pour les artistes qui se font concurrence. Les institutions Vénitiennes organisent des concours pour la décoration des édifices publics et des esquisses préalables sont demandées aux artistes on retrouve dans l’exposition les documents des concours pour la bibliothèque San Marco en 1556 – 1558, la Scuola Grande di San Rocco en 1564 et le Palais des Doges en 1582 – 1588.

A l’époque il y a des discussions sur la supériorité de tel ou tel art. Les peintres Vénitiens démontrent leur supériorité en travaillant sur le reflet dans la représentation de l’eau, des armures ou des miroirs. Autre phénomène, la peinture estompe les frontières entre le sacré et le profane. Les commanditaires se mettent en scène à côté du Christ ou des apôtres. Les Vénitiens sont aussi les premiers à peindre des animaux pour eux-mêmes.

L’exposition composée de quatre-vingt-cinq tableaux est répartie par thèmes : Portraits de gens de pouvoir, Reflets, Entre Sacré et Profane, Nocturnes sacrés, Portraits d’artistes et de collectionneurs, Petits formats décoratifs, La femme désirée. Elle se déroule dans le hall Napoléon sous la Pyramide jusqu’au 4 janvier 2010. Vous pouvez aussi visualiser le mini-site qui lui est consacré.